Die US-amerikanische Choreografin Ligia Lewis wird das Internationale DANCE Festival München 2025 mit ihrem Werk deader than dead eröffnen. Zudem wird ihre performative Installation study now steady während der gesamten Festivaldauer im Haus der Kunst zugänglich sein. Die Kulturwissenschaftlerin Tina Post spricht über eine Künstlerin, die sich mit der Komplexität des Politischen auseinandersetzt.

Obwohl Ligia Lewis (geb. 1983) zunächst im rassistischen Kontext der Vereinigten Staaten sozialisiert wurde, hat sie den Großteil ihres Erwachsenenlebens in Europa verbracht. Diese geteilte Geschichte prägt ihr Werk mit einer Art „doppeltem Bewusstsein“ in Bezug auf Race, um ein Konzept von W.E.B. Du Bois zu übernehmen. Einerseits besitzt Lewis die sensibilisierte Perspektive einer Person aus den USA, die sich der tiefgreifenden Bedeutung von Race und der jahrhundertelangen Katastrophe des rassistischen Kapitalismus bewusst ist. Dementsprechend bilden Themen in Bezug auf Race das Rückgrat ihrer künstlerischen Praxis. Andererseits sind ihre ästhetischen Sensibilitäten von der europäischen – insbesondere der deutschen – Theatertradition beeinflusst, die politisch sein kann, ohne sich auf eine didaktisch-repräsentationale Darstellung zu stützen. (In den USA tendiert politischer Inhalt oft dazu, offensichtlich und stark repräsentational zu sein.) Anders ausgedrückt, half ihr das europäische Theater, eine kritische Perspektive auf eine bestimmte Form des Repräsentationalismus zu schärfen, die sie als weitgehend wirkungslos betrachtet, während es gleichzeitig Raum für die politischen Besonderheiten von Körpern und deren unterschiedlichen Gefährdungen lässt.

Dennoch weist Lewis darauf hin, dass dieses doppelte Bewusstsein manchmal dazu führen kann, dass Zuschauer*innen in ihrer Rezeption durch ihren jeweiligen Kontext eingeschränkt werden. „In Europa“, erklärt sie, „übersehen Kritiker*innen oft den politischen Inhalt und konzentrieren sich stattdessen mehr darauf, wie ich mit Form und Ästhetik spiele. In den Vereinigten Staaten hingegen habe ich das Gefühl, dass mein Werk nicht immer in seiner vollen Komplexität – sowohl ästhetisch als auch politisch – wahrgenommen wird. Dennoch empfinde ich all meine Arbeiten als politisch, unabhängig von den formalen Ansätzen.“

Das Ziel dieses Essays ist es daher, die gleichzeitige Betonung in Ligia Lewis’ Werk hervorzuheben, sowohl im Hinblick auf Inhalte, die sich mit dem Themenkomplex Race befassen, als auch die indirekte Auseinandersetzung mit traditioneller Repräsentationspolitik. 

deader than dead

Lewis choreografierte deader than dead im Jahr 2020 in Los Angeles, mitten in der globalen COVID-19-Pandemie – einer Krise, die in den USA überproportional hohe Krankenhausaufenthalte und Todesfälle unter Schwarzen Menschen zur Folge hatte. Gleichzeitig erreichte die Black-Lives-Matter-Bewegung einen Höhepunkt, ausgelöst durch die medienwirksamen, außergerichtlichen Morde an mehreren Schwarzen Amerikaner*innen. Aufgrund pandemiebedingter Einschränkungen öffentlicher Aufführungen entstand eine gefilmte Choreografie des „Schwarzen Unheimlichen“. Lewis hatte sich bereits intensiv mit der Prekarität Schwarzen Lebens sowie mit der kulturellen Fixierung auf die Tatsache und das Spektakel des Schwarzen Todes auseinandergesetzt. deader than dead (und das folgende Stück Still Not Still von 2021) setzen diese Dualität aus „zu viel Leben, zu viel Tod“, die die Schwarze Existenz prägt, performativ um. Blackness, so Lewis, verkörpere „ein Leben, das über die Grenzen von Gesetz, Kontrolle und allem Möglichen hinausgeht – und das gerade deshalb zum vorzeitigen Tod verurteilt ist.“ Das Dilemma dabei ist, dass die einzige Antwort auf so viel Tod noch mehr Leben ist.

Lewis begegnet diesem Paradox, indem sie sowohl den Schmerz als auch die Absurdität darin sichtbar macht. „In diesen Stücken spiele ich performativ mit der Frage des Todes“, sagt sie, „indem ich versuche, die Bedingungen des vorzeitigen Todes bestimmter Körper zu erfassen – und das ist ziemlich düster. Gleichzeitig geht es mir darum, diese Realität durch meine Arbeit offenzulegen und ihre Grausamkeit und Absurdität bloßzustellen. Wenn ich mich diesem Schrecken, diesem Horror annähern will, der sich ohnehin nicht vollständig darstellen lässt, dann kann ich das über Formen wie Slapstick tun. Die Geste oder die Figur des Komikers – das sind meist die tragischsten Figuren.“

Lewis denkt sorgfältig über die ethische Dimension ihrer Kunst nach – sowohl innerhalb eines einzelnen Werks als auch in ihrem Gesamtwerk – und sie wollte die Realität des Todes Schwarzer Menschen (black death) nicht ins Lächerliche ziehen, obwohl sie dunkle, humorvolle Ausdrucksformen nutzt. Zudem begann sie, sich von der erschöpfenden Ästhetik des unheimlichen Widerstands und des Pessimismus abzuwenden, die sich durch mehrere ihrer letzten Stücke ziehen. Somit markieren deader than dead und Still Not Still – zumindest vorerst – das Ende einer bestimmten choreografischen Ausdrucksweise, die durch Dunkelheit (sowohl im wörtlichen als auch im emotionalen Sinne), Rätselhaftigkeit und eine extreme Körperlichkeit geprägt ist.

A Plot A Scandal

Wenn deader than dead die zeitgenössische Krise des Todes Schwarzer Menschen thematisiert, kehrt A Plot A Scandal (2022) zu dessen Ursprung zurück: Das Aufeinandertreffen von Aufklärungseuropa mit dem ethnischen Anderen und seine damit verbundenen Investitionen in Leben, Freiheit und Eigentum.

Intellektuell stimmt A Plot A Scandal mit denjenigen Gelehrten überein, die darauf bestehen, dass die Gewalt und die Unlogik der modernen Systeme (Sklaverei, Empire, globaler Kapitalismus) als inhärent zu den Aufklärungsideen betrachtet werden sollten, anstatt als deren Anomalie. Lewis’ Werk stellt die ästhetischen Konsequenzen dieser Kontinuität dar und zeigt, wie sehr das Schwarze Subjekt eine Erfindung und Projektion Europas ist. A Plot A Scandal enthüllt die Barbarei der europäischen Konstruktion von Schwarzsein als Abscheulichkeit, Gewalt und Fleischlichkeit (zu einer Zeit, als die Höfe Europas in abscheulichem, gewalttätigem oder fleischlichem Verhalten schwelgten), sowie die Art und Weise, wie die Zeichen Europas – seine weißen Perücken, Schirme und Umhänge – im Kontext von Schwarzsein plötzlich unnatürlich erscheinen (als ob diese jemals „natürlich“ für irgendjemanden gewesen wären). Kurz gesagt, macht Lewis’ Arbeit es einfach zu erkennen, dass es kein Zufall ist, wenn ein Schädel in der Hand des edlen Dänen etwas anderes bedeutet als in der Hand des Tänzers Corey Scott-Gilbert.

A Plot A Scandal wurde inspiriert durch Lewis' Reisen zu ihrem Heimatort Dios Dirá, einem kleinen Dorf in der Dominikanischen Republik. Das Bewusstsein, wie anders sie in diesem Kontext ist als in dem, den sie in Europa einnimmt, und wie fragil die Existenz dieses kleinen Dorfes ist, veranlasste Lewis, ihr bisher persönlichstes Werk zu schaffen. Obwohl es sehr persönlich ist, ist das Werk nicht autobiografisch, da es Weltgeschichte, Race Theory, Ahnen-Geschichten und geopolitische Kontexte miteinander verbindet. Sie beschreibt dies als einen „autotheoretischen“ Wandteppich, der dazu dient, sowohl ihre eigene Erfahrung als auch ihre Beziehung zur Welt zu verstehen. Wichtig – und in einem ganz anderen Register als ihre früheren Werke – betont dieser Wandteppich die Unvermeidbarkeit und Unentrinnbarkeit von Beziehung.

Ursprünglich als Bühnenstück produziert, konnte Lewis eine gefilmte Adaption von A Plot A Scandal mit Unterstützung des Center for Art, Research and Alliances (CARA) erstellen. Der Film basiert auf derselben Forschung wie die Bühnenversion und verwendet dasselbe Skript und viele derselben Motive. Dennoch handelt es sich sehr stark um eine Arbeit der Adaption oder Übersetzung – eine Arbeit, in der die Landschaft und Architektur von Santarcangelo in den Vordergrund treten.

Wie sieht die Institution von Race ohne einen rassifizierten Körper als Spektakel aus? A Plot A Scandal schlägt vielleicht eine ordentliche, intensiv vertikale Reihe von Zypressenbäumen vor. Aus der Perspektive von unten betrachtet, spiegeln die Spitzen dieser Bäume das exportierte Projekt Europas wider: rational, regelförmig, ehrgeizig und auf menschliches Fleisch durch den juristischen Code Noir angewendet. Lewis erklärt die Verbindung zwischen Landschaft und Gesetz: „Teile des Code Noir sind so spezifisch und so grausam in ihrer detaillierten Ausdruckskraft der Herrschaft des (weißen) Menschen über das Land. Ein Ort, der von Gesetz und Ordnung besessen ist – das fühlt man in dieser gotischen Landschaft. Es schien perfekt, diese Landschaft als Kulisse für ein koloniales Erbe zu verwenden, das so lange anhält, dass es sich buchstäblich in das Land eingebettet fühlt. Es ist einfach so – okay, hier beginnt es, hier startet diese verdrehte Fantasie, und dann wird sie über den Globus exportiert. So beginnt der Film, mit den Texturen eines ansonsten harmlosen Zypressenbaums, und dann den Kirchenglocken, und einigen von Europas hinterhältigen Fantasien.“

study now steady

study now steady (2024) ist nach Lewis' eigener Beschreibung das tänzerischste Stück, das sie bisher geschaffen hat. Weniger fest in der Choreografie als die Bühnenwerke, nimmt study now steady in seinen Live-Studien die Partituren auf, die Lewis’ andere choreografische Unternehmungen hervorgebracht haben. Äußerungen werden mit Bewegungen kombiniert, wie es auch in den anderen Stücken der Fall ist, die aus denselben Impulsen entstanden sind. Die Theatralik aber, die diese anderen Stücke durchzieht, wird hier zurückgenommen, sodass der Fokus stärker auf dem Körper und seiner Materialität liegt.

Der Eingriff von study now steady in Lewis’ Gesamtwerk besteht also darin, zu unterstreichen, dass die Zeit im Studio, in der mit dem „Basis-Körper“ gearbeitet wurde, die Fragen geliefert hat, die notwendig waren, um ihre anderen Werke zu schaffen. Lewis beschreibt ihren Prozess als langwierig und chaotisch. „Alle meine Arbeiten sehen eine lange Zeit wie Mist aus“, betont sie. „Es ist lange ein tragisches Durcheinander, weil sie immer am Rand von etwas sind. Bei A Plot A Scandal war es nur so, weil ich lange genug im Studio geblieben bin, lange genug mit den Materialien und meiner Ambivalenz gegenüber der Inszenierung eines ‚Solo‘ gerungen habe, dass Rache auftauchte. Und dann konnte ich sagen, oh, ich fange einfach von dort an, und die Schwierigkeit, so eine Intensität von Gefühlen festzuhalten. Und das ist unvermeidlich mit einem enormen Risiko verbunden, aber das ist auch das, was meine Praxis antreibt.“

Angesichts der Art und Weise, wie unsere Kultur Theorie und geistigen Intellektualismus privilegiert, betont study now steady erneut, dass das Ringen mit Ideen im Studio ein eigenes intellektuelles Projekt ist. Trotzdem bleibt der „denkende Körper“ hier für das Publikum, das in postmodernen oder post-tanzbezogenen Sprachen geschult ist, eher erkennbar als in Lewis’ anderen Projekten. Theoretische und historische Referenzen bleiben auch hier aktiv. Lewis beabsichtigt, dass die Live-Studien niemals in einen Raum der Abstraktion übergehen, der die materiellen Bedingungen, die Körper rassifizieren, ausklammert.

„Als ich die USA verließ, hatte ich das Gefühl, dass ich mich von dieser postmodernen Tradition entfernte, die eine bestimmte Art von Abstraktion privilegierte, zu der ich gefühlt keinen Zugang hatte. Ich bin super theatralisch, manchmal sehr wörtlich in meinem Ansatz. Aber ich denke, durch die Partituren erscheint eine Poetik. Und das ist sowohl die Bürde als auch das Privileg, in diesem Fleisch zu wohnen, weißt du? Und diese Abstraktion für uns – für rassifizierte Körper – ist anders. Die Einsätze sind anders für uns. Der Grund, warum wir in die Abstraktion übergehen, ist nicht, weil sie schön oder interessant ist, sondern weil wir eine andere Sprache finden müssen, um diese ansonsten unmöglichen Dinge zu sagen.“

von Tina Post

deader than deadu study now steady werden präsentiert vom International DANCE Festival München in Kooperation mit dem Haus der Kunst.

LIGIA LEWIS
Ligia Lewis ist Choreografin, Tänzerin, bildende Künstlerin und Regisseurin und arbeitet auf Bühnen, in Galerien, Museen und im Film. Ihre Choreografien vermitteln Ideen durch den Körper als politischen Akt und widersetzen sich der rassistischen Auslöschung, indem sie physische und emotionale Intensitäten verbindet. Ihre Arbeit wurde in zeitgenössischen Kunstinstitutionen wie CARA, dem Hammer Museum und der Whitney Biennale präsentiert.

Credits deader than dead:

In Auftrag gegeben und produziert von: Made in L.A. 2020/ Hammer Museum Made in L.A. 2020: a version wird vom Hammer Museum in Zusammenarbeit mit The Huntington Library, ArtMuseum, and Botanical Gardens, und Ligia Lewis organisiert.

Zusätzliche Unterstützung wird gewährt von: Human Resources, Los Angeles.

Credits study now steady:

Ursprünglich in Auftrag gegeben von Manuela Moscoso, Geschäftsführerin und Chefkuratorin des CARA Center for Art, Research and Alliances.